Guida al Game Design

Benvenuto in ProjectFun, la prima community italiana dedicata al game design e alla gamification. Se stai cercando di capire cos’è il game design e hai solamente 2 minuti a disposizione ecco la definizione:

Il game design è il processo creativo ed analitico di ideare, pianificare e strutturare un videogioco o un gioco analogico. Includendo elementi come meccaniche di gioco, regole, ambientazione, personaggi, obiettivi e sistemi di interazione, il game design mira a creare un’esperienza ludica coinvolgente, divertente e bilanciata per i giocatori. I game designer collaborano con altri professionisti come artisti, programmatori e sound designer per trasformare le loro idee in un prodotto finito e di successo.

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Se hai tempo a disposizione e vuoi approfondire il tema del game design continua l’articolo. Questa pagina è molto lunga e ha l’obiettivo di diventare la guida di riferimento in Italia sul tema. Qui sotto puoi sfruttare l’indice per andare nelle sezioni della pagina che ti interessano di più.

Indice 

1. Storia Game Design
2. Cosa fa il game designer
3. Processo Game Design
4. Elementi Game Design
5. Casualità
6. Scelte significative
7. Ricompense e punizioni
8. Narrazione
9. Multigiocatore
10. Interfacce utente e interazioni uomo-macchina
11. Piattaforme di gioco
12. Competenze del game designer
13. Libri sul game design
14. Gamification, Advergame Serious Game
15. Conclusione

Storia del game design

La storia del game design ha radici antiche e si estende attraverso diverse culture e periodi storici. Pensa che il gioco da tavolo più antico che abbiamo rinvenuto ha più di 5000 anni ed è stato trovato in Turchia. Giochi come il Go, gli scacchi e il backgammon sono esempi di game design molto antichi arrivati fino ai giorni nostri. 

Con l’avvento dei computer e delle tecnologie di gioco elettroniche, il game design ha conosciuto una rapida evoluzione.

Nel 1958, William Higinbotham creò Tennis for Two, uno dei primi videogiochi della storia. Negli anni ’70 e ’80, l’industria videoludica crebbe rapidamente, con titoli iconici come Pong, Space Invaders e Pac-Man. Questo periodo vide anche la nascita delle prime console domestiche e dei computer dedicati al gioco.

Negli anni ’90 e 2000, il game design continuò a evolversi con l’introduzione di nuove piattaforme, come PlayStation, Xbox e Nintendo 64, e l’affermarsi di generi come gli sparatutto in prima persona, i giochi di ruolo e i giochi di strategia. Il game design si è ulteriormente espanso con l’avvento dei dispositivi mobili e della realtà virtuale e aumentata.

Grazie alla diffusione degli smartphone e di internet oggi il numero di videogiocatori è più grande che mai. Pensa che nel 2022 3 miliardi persone hanno giocato ai videogiochi e che il mercato del gaming vale più della musica e del cinema messi assieme. 

Cosa fa il game designer?

Il game designer è colui che progetta e sviluppa l’esperienza di gioco, definendo le regole, le meccaniche e gli elementi visivi e sonori di un gioco. Il game designer lavora spesso all’interno di un team composto da altri professionisti, come programmatori, artisti e musicisti, per portare a termine un progetto di gioco.

Il ruolo del game designer può variare a seconda delle dimensioni del team e del progetto. In un piccolo team indie, il game designer potrebbe essere coinvolto in molteplici aspetti della creazione del gioco, mentre in un grande studio, potrebbe esserci una suddivisione più specifica dei compiti tra vari game designer specializzati in diverse aree, come la progettazione di livelli, la narrativa o il bilanciamento delle meccaniche di gioco.

Il game designer deve possedere una vasta gamma di competenze, tra cui creatività, pensiero critico, comunicazione, empatia e capacità di problem-solving. Deve anche avere una buona conoscenza dei principi di game design, delle piattaforme di gioco e delle tendenze del mercato.

Processo di game design

Il lancio di un gioco deve seguire diverse fasi che vanno dalla sua ideazione fino al lancio sul mercato e agli aggiornamenti. Un processo di game design si può suddividere in quattro fasi principali che a loro volta si potrebbero scomporre in ulteriori sotto-fasi: 

1 Ideazione e concettualizzazione

L’ideazione e la concettualizzazione sono le prime fasi del processo di game design. In questa fase, il designer sviluppa un’idea generale del gioco, definendo gli obiettivi, le meccaniche, la storia e l’ambientazione. È importante condurre ricerche di mercato e analizzare giochi simili per avere una migliore comprensione del genere e delle tendenze attuali. La concettualizzazione include anche la creazione di documenti di design, come il Game Design Document (GDD), che fungono da guida e riferimento per tutto il team di sviluppo.

2 Prototipazione e iterazione

La prototipazione è il processo di creazione di un modello funzionante del gioco o di alcune sue parti, che può essere utilizzato per testare le meccaniche, le interazioni e l’esperienza complessiva del giocatore. I prototipi possono variare in complessità, dai semplici storyboard alle versioni giocabili del gioco. Durante questa fase, il team di sviluppo lavora insieme per affinare e migliorare il gioco attraverso continue iterazioni, aggiungendo nuove funzionalità, risolvendo problemi e perfezionando l’esperienza di gioco.

3 Playtesting e valutazione

Il playtesting è un’attività cruciale nel processo di game design, in quanto consente ai designer di valutare l’esperienza del giocatore e identificare eventuali problemi o aree di miglioramento. I playtester possono essere interni (membri del team di sviluppo) o esterni (giocatori target). Durante il playtesting, è importante raccogliere feedback e osservare il comportamento dei giocatori per apportare modifiche e miglioramenti al gioco. La valutazione può essere condotta attraverso questionari, interviste e analisi dei dati di gioco.

4 Produzione e lancio

Una volta che il gioco è stato accuratamente testato e ottimizzato, si passa alla fase di produzione. In questa fase, il team di sviluppo lavora per finalizzare tutti gli aspetti del gioco, incluso il completamento di tutti gli asset grafici, sonori e di programmazione. Dopo la produzione, il gioco viene lanciato sul mercato. Dopo il lancio, il team può continuare a monitorare il gioco, raccogliere feedback dagli utenti e apportare aggiornamenti e miglioramenti nel tempo.

Elementi del game design

Quali sono gli elementi chiave che costituiscono un gioco? La definizione stessa di gioco è molto sfuggente e oggetto di dibattito tra i filosofi. Con il passare degli anni sono stati individuati una serie di elementi chiave che compongono i giochi come le regole, meccaniche, dinamiche, componenti estetici e tematici e narrazione. 

Regole del gioco

Le regole del gioco stabiliscono i vincoli e le limitazioni che definiscono l’esperienza di gioco. Esse determinano ciò che i giocatori possono e non possono fare, influenzano le interazioni tra i giocatori e gli elementi del gioco, e contribuiscono a creare un senso di sfida e progresso. Le regole possono variare notevolmente a seconda del tipo di gioco e delle scelte creative del game designer, ma spesso includono vincoli di tempo, obiettivi, punteggio e condizioni di vittoria e sconfitta.

Meccaniche di gioco

Le meccaniche di gioco sono gli elementi chiave che determinano il funzionamento e l’interazione all’interno di un gioco. Sono le azioni, i sistemi e le strategie che guidano il gameplay e forniscono sfide e obiettivi per i giocatori. In questo articolo non commenterò nei dettagli tutte le meccaniche di gioco. Nel sito internet di ProjectFun puoi trovare una lista di meccaniche qui o provare le Play-Able Cards, il primo mazzo di carte in Italia sulle meccaniche di gioco. 

Dinamiche di gioco

Le dinamiche di gioco sono il risultato dell’interazione tra regole e meccaniche, e rappresentano il modo in cui i giocatori sperimentano e interpretano il gioco. Le dinamiche di gioco includono elementi come la competizione, la cooperazione, la strategia, l’explorazione e la narrativa. Un game designer deve considerare attentamente come le regole e le meccaniche di gioco interagiscono per creare dinamiche interessanti e coinvolgenti, in modo da offrire un’esperienza di gioco gratificante e memorabile.

Componenti estetici e tematici

I componenti estetici e tematici di un gioco sono gli elementi visivi, sonori e narrativi che contribuiscono a creare l’atmosfera, lo stile e il contesto del gioco. Questi elementi sono fondamentali per stabilire l’identità e l’impatto emotivo del gioco, e possono includere:

• Grafica e design visivo: lo stile artistico, i colori, le texture e l’illuminazione del gioco.
• Suoni e musica: gli effetti sonori, le colonne sonore e i temi musicali che accompagnano l’esperienza di gioco.
• Narrativa e temi: la trama, i personaggi, i dialoghi 

Nella prossima parte della pagina tratterò alcuni aspetti importanti del game design come le ricompense, la casualità la narrazione e le interazioni uomo-macchina. Durante la progettazione di un gioco potresti dover considerare anche i seguenti aspetti: 

• Economie virtuali: Le economie virtuali sono sistemi di risorse, valute e scambi all’interno dei giochi. Nella progettazione delle economie virtuali devi tenere in considerazione la creazione di una valuta coerente con il mondo di gioco, un sistema di scambio e commercio tra i giocatori, gestire l’offerta e la domanda di risorse e oggetti nel gioco ed evitare l’inflazione o al deflazione eccessiva. 
• Bilanciamento del gioco: il bilanciamento del gioco è cruciale per garantire un’esperienza di gioco divertente e coinvolgente per i giocatori. Riguarda la gestione delle difficoltà, delle abilità e delle risorse dei personaggi e la creazione di sfide e obiettivi appropriati. Il playtesting e il bilanciamento dinamico in base alle competenze del giocatore possono aiutare. Il bilanciamento è molto importante nei giochi da tavolo che non possono essere sempre aggiornati dopo la vendita su larga scala. 

La casualità nel game design

La casualità è un elemento centrale in molti giochi, sia digitali che fisici, e può creare un’esperienza di gioco più imprevedibile, stimolante e coinvolgente. Siamo rimasti tutti sulle spine prima di pescare una carta o prima di lanciare un dado nei giochi da tavolo. Prima di introdurre elementi di casualità nel tuo gioco considera questi fattori:

• La casualità può creare tensione nei giochi, poiché i giocatori non possono prevedere con certezza quale sarà l’esito di un’azione o di una partita. 
• La casualità può rendere rendere i giochi più accessibili ai principianti, poiché dà loro una possibilità di vincere contro giocatori più esperti.
• Per coinvolgere i giocatori esperti è importante calibrare la casualità e l’abilità. Troppa casualità non permette ai giocatori esperi di esprimersi e di costruire skill sul gioco. Troppo poca casualità  può rendere impossibile vincere contro esperti. 

Esempio:

• Alta casualità: due giocatori si sfidano lanciando un dado da 6. Vince la persona che fa il numero più alto. Questo gioco non richiede competenze e abilità. Un giocatore esperto che ha fatto 1000 partite è uguale ad uno che prova il gioco per la prima volta.
• Bassa casualità: una persona che ha giocato due partite di scacchi affronta il campione del mondo in carica. In questo secondo caso il secondo giocatore ha probabilità di vittoria vicine allo 0. 

Scelte significative

Una famosa citazione di Sid Meier, il game designer di Civilization dice che i giochi sono una serie di scelte significative.

“Games are a series of interesting decisions,”

Sid Meier. 

Le scelte significative sono delle decisioni prese dal giocatore che hanno una reale conseguenza nel gioco e che influenzano il gameplay, la narrativa o entrambi. 

Esempio:

• Scelta significativa: nella fase di creazione del personaggio di un GDR è possibile scegliere la classe. La classe fornisce al giocatore delle abilità particolari e uniche utilizzabili nel gioco. Gli NPC interagiscono in modo diverso in base alla classe scelta. 
• Finta scelta: nella fase di creazione del personaggio di un GDR il giocatore sceglie la classe. La classe non ha alcun impatto nel gioco, c’è solo una parola nella scheda del personaggio che indica che sei un “mago”. 

Per creare delle scelte significative interessanti puoi considerare i seguenti fattori:

• Trade-off e bilanciamento: Le scelte interessanti spesso richiedono ai giocatori di bilanciare diversi fattori, come risorse, tempo o rischi. Questo incoraggia i giocatori a valutare attentamente le loro opzioni e ad adottare strategie diverse.
• Scelte non ovvie: Evita di creare scelte con soluzioni ovvie o “giuste”. Le scelte migliori sono quelle che richiedono ai giocatori di soppesare attentamente le diverse opzioni e di prendere decisioni difficili.
• Varietà di scelte: Offri ai giocatori una vasta gamma di scelte e opzioni per aumentare la profondità e la rigiocabilità del gioco.
• Flessibilità: Le strategie efficaci dovrebbero consentire ai giocatori di adattarsi alle diverse situazioni e sfide che si presentano nel gioco. Incentiva i giocatori a cambiare strategia quando necessario, piuttosto che adottare un approccio rigido e inflessibile.
• Crescita e apprendimento: Le strategie dovrebbero incoraggiare i giocatori a imparare e a crescere nel corso del gioco, migliorando le loro abilità e conoscenze. Questo può creare un senso di progressione e di realizzazione personale.

Ricompense e Punizioni

Le ricompense e le punizioni sono componenti fondamentali del game design, poiché influenzano la motivazione, il coinvolgimento e la soddisfazione dei giocatori. Un buon game design bilancia attentamente le ricompense e le punizioni per incoraggiare i giocatori a esplorare, apprendere e migliorare le proprie abilità nel gioco. Se vuoi approfondire la tematica delle ricompense puoi leggere questo articolo sul tema. 

Le ricompense possono assumere diverse forme, tra cui oggetti, potenziamenti, nuove abilità, progressione nella storia o semplicemente feedback positivo. Per progettare ricompense efficaci nel game design, considera i seguenti principi:

1. Significato: Le ricompense dovrebbero avere un valore reale per il giocatore, sia che si tratti di migliorare le loro abilità, sbloccare nuove aree del gioco o approfondire la loro comprensione della storia.
2. Tempismo: Le ricompense dovrebbero essere distribuite in modo appropriato nel corso del gioco, in modo da mantenere i giocatori motivati e interessati. Evita di creare solamente ricompense troppo facili o difficili da ottenere, poiché ciò potrebbe scoraggiare una parte dei giocatori.
3. Varietà: Offri una varietà di ricompense per mantenere l’esperienza di gioco fresca e interessante. Questo incoraggia i giocatori a esplorare diverse strategie e stili di gioco. Esistono ricompense di status, accesso, potere, beni virtuali, progressione nella narrazione e molto altro.
4. Personalizzazione: Consenti ai giocatori di personalizzare le loro ricompense in base alle proprie preferenze e stili di gioco. Questo può aumentare il coinvolgimento e l’investimento emotivo nel gioco.

Le punizioni nel game design possono assumere diverse forme, come la perdita di risorse, la morte del personaggio o la regressione nella progressione del gioco. Per progettare punizioni efficaci, considera i seguenti principi:

1. Equità: Le punizioni dovrebbero essere percepite come eque dai giocatori, in modo che non si sentano frustrati o scoraggiati. Evita punizioni eccessive o ingiuste che potrebbero far sentire i giocatori impotenti o scontenti.
2. Opportunità di apprendimento: Le punizioni dovrebbero offrire ai giocatori l’opportunità di apprendere dai loro errori e di migliorare le loro abilità. Fornisci feedback chiaro e costruttivo per aiutare i giocatori a comprendere cosa hanno fatto di sbagliato e come possono migliorare.
3. Tempismo: Come per le ricompense, le punizioni dovrebbero essere distribuite in modo appropriato nel corso del gioco. Evita di punire troppo severamente i giocatori all’inizio del gioco, quando stanno ancora imparando le meccaniche e le regole.
4. Equilibrio: Mantieni un equilibrio tra ricompense e punizioni nel game design. Un gioco con troppe punizioni e poche ricompense può scoraggiare i giocatori, mentre un gioco con troppe ricompense e poche punizioni può diventare noioso e poco stimolante. Trova il giusto bilanciamento per mantenere i giocatori impegnati e sfidati.

I consigli che hai letto qui sopra sono delle linee guida generiche. Delle volte per creare esperienze coinvolgenti si possono anche violare le regole e le linee guida. Il videogame Demon Souls ci va giù pesante con le punizioni. Il giocatore fin dalle prime fasi di gioco deve affrontare nemici temibili, non può salvare mentre sta progredendo dentro i livelli e se muore perde i punti esperienza “anime” accumulate per terra, se muore una seconda volta vengono perse per sempre. Questo livello di sfida ha saputo appassionare una fetta di giocatori in un periodo in cui gli altri giochi ti guidavano per mano per tutta la durata del gioco. 

Narrazione 

La narrazione può essere uno degli elementi cruciali nella creazione di un’esperienza di gioco coinvolgente e memorabile. Molti giochi “tecnicamente semplici” sono riusciti a coinvolgere milioni di persone attraverso storie epiche in grado di toccare corde molto profonde dei giocatori. Un esempio di successo è il gioco 

La struttura narrativa e lo storytelling sono fondamentali per dare un senso di scopo e coerenza all’esperienza. Una buona narrazione può migliorare l’immersione e coinvolgere emotivamente il giocatore. La narrazione passa attraverso i personaggi che sono il cuore di molte storie e sono fondamentali per stabilire un legame emotivo con il giocatore. Un personaggio ben sviluppato può dare vita all’esperienza di gioco e renderla memorabile. Nella progettazione dei personaggi ricorda di considerare i seguenti principi:

• Crea personaggi con personalità, obiettivi e motivazioni distinte
• Utilizza archetipi e modelli per facilitare la costruzione dei personaggi
• Assicurati che i personaggi siano visivamente coerenti con il tema e l’ambientazione
• Fornisci al giocatore la possibilità di conoscere i personaggi attraverso dialoghi, backstory e interazioni con altri personaggi

Esempio

Nel gioco “The Witcher 3: Wild Hunt”, il protagonista Geralt di Rivia è un personaggio complesso con una personalità ben definita, una storia di fondo e obiettivi chiari. Le sue interazioni con altri personaggi e il mondo di gioco contribuiscono a creare un’esperienza di gioco immersiva e coinvolgente.

Nella narrazione devi considerare anche l’ambientazione del gioco per creare un mondo realistico, coerente e immerso in cui i giocatori possono perdersi. Quando hai scelto il tema e l’ambientazione prova a pensare alla storia del mondo, alla geografia e alle culture dei suoi abitanti. Durante la progettazione della narrazione considera i seguenti fattori:

• Struttura narrativa: lineare, ramificata o emergente
• Ritmo narrativo: i momenti di azione vengono alternati correttamente con le progressioni nella storia? Se il tuo gioco ha un gameplay debole ma una storia molto forte è importante dare il ritmo giusto al gioco. 
• Tecniche di storytelling: per far scoprire la storia ai giocatori puoi usare flashbacks, dialoghi e documenti di gioco

Modalità di gioco

Un ulteriore aspetto da considerare nel game design è la modalità di gioco. Puoi scegliere di progettare solamente la modalità giocatore singolo o includere anche altri giocatori. Abbiamo girato un video nel canale YouTube dedicato alla modalità multi giocatore:

Interfacce utente e interazioni uomo macchina

Le interfacce utente nel game design sono sistemi di comunicazione visiva, sonora e tattile che facilitano l’interazione tra i giocatori e il videogioco. Queste interfacce comprendono elementi come menu, pulsanti, icone, barre di stato e altre forme di feedback che aiutano i giocatori a comprendere e controllare il gioco.

Per progettare interfacce utente efficaci nel game design, considera i seguenti principi:

1. Chiarezza e leggibilità: Le informazioni presentate all’utente dovrebbero essere chiare, leggibili e facilmente comprensibili. Utilizza un design pulito e una tipografia leggibile per garantire che i giocatori possano accedere rapidamente alle informazioni di cui hanno bisogno.
2. Gerarchia visiva: Organizza le informazioni in modo logico e gerarchico, mettendo in evidenza le informazioni più importanti e raggruppando le informazioni correlate.
3. Consistenza: Mantieni un design coerente in tutto il gioco, utilizzando gli stessi stili, colori e tipografie per creare un’esperienza uniforme.
4. Feedback visivo e sonoro: Se possibile fornisci feedback visivo e sonoro per le azioni dei giocatori, in modo che possano capire immediatamente le conseguenze delle loro azioni e interagire con il gioco in modo più efficace. 

Il mapping e le interazioni uomo-macchina si riferiscono a come i giocatori interagiscono con il gioco attraverso dispositivi di input, come mouse, tastiera, controller o touch screen. 

Esempio: 

Immagina di progettare un videogioco di bowling multipiattaforma disponibile in diversi Device. Una delle azioni principali che dovrà compiere il giocatore sarà lanciare la palla da bowling. Per lanciare la palla dentro il videogioco il giocatore deve fare qualcosa nel mondo reale. Ad esempio in base al Device utilizzato potrebbe premere un pulsante, simulare l’azione con un telecomando in mano, simulare l’azione davanti una fotocamera, premere uno schermo touch. 

Per progettare mapping e HMI efficaci nel game design, considera i seguenti principi:

1. Intuitività: Le interazioni con il gioco dovrebbero essere intuitive e facili da apprendere per i giocatori. Evita di utilizzare schemi di controllo complicati o inusuali che potrebbero confondere i giocatori.
2. Personalizzazione: Permetti ai giocatori di personalizzare i controlli e le impostazioni di input in base alle proprie preferenze e abilità. Questo può migliorare il comfort e l’accessibilità del gioco per un’ampia gamma di giocatori.
3. Feedback tattile: Fornisci feedback tattile, come vibrazioni o forza di ritorno, per aiutare i giocatori a comprendere meglio le loro interazioni con il gioco e aumentare l’immersione.
4. Accessibilità: Considera le esigenze dei giocatori con disabilità fisiche o cognitive, progettando interfacce utente e schemi di controllo che possono essere facilmente adattati a diverse abilità e preferenze.
5. Convenzioni: valuta di utilizzare convinzioni esistenti per rendere l’interazione più semplice per i giocatori e creare una sensazione di familiarità. 

Piattaforme di gioco

La progettazione di un videogioco può variare notevolmente a seconda della piattaforma per la quale si sta creando. Devi considerare inoltre che i giochi non sono sempre digitali, molte persone giocano a giochi da tavolo o a giochi fisici che non richiedono particolari tecnologie. Le principali piattaforme di gioco sono le seguenti: 

Console e PC

Console e PC sono le piattaforme tradizionali per i videogiochi, offrono un’ampia gamma di possibilità in termini di potenza di elaborazione, capacità grafiche e opzioni di controllo. Quando si progetta un gioco per console e PC, è importante considerare i seguenti aspetti:

• Controlli: Le console utilizzano principalmente controller, mentre i PC sfruttano mouse e tastiera. È fondamentale ottimizzare l’interfaccia utente e i sistemi di controllo per ciascuna piattaforma.
• Grafica e performance: Console e PC offrono differenti livelli di potenza grafica e prestazioni. Adatta il tuo gioco alle specifiche di ogni piattaforma per garantire un’esperienza fluida e piacevole.
• Distribuzione: Considera le diverse piattaforme di distribuzione per console e PC, come Xbox Game Pass, PlayStation Store, Steam, Epic Games Store e GOG, e tieni conto delle loro politiche e requisiti. Per queste piattaforme esiste anche il canale di distribuzione fisico con negozi specializzati anche se il modo si sta spostando sempre di più sulle piattaforme online. 

Dispositivi mobili

I dispositivi mobili, come smartphone e tablet, hanno rivoluzionato il settore dei videogiochi, rendendo accessibili giochi di qualità a un pubblico molto più ampio. Quando si progetta un gioco per dispositivi mobili, è importante tenere presente:

• Touchscreen: La maggior parte dei dispositivi mobili utilizza touchscreen come input principale. Progetta un’interfaccia utente e meccaniche di gioco che siano intuitive e funzionino bene con touch e gesture.
• Portabilità e sessioni di gioco brevi: I giochi per dispositivi mobili spesso vengono giocati in sessioni più brevi e in movimento. Struttura il tuo gioco in modo che sia facile da mettere in pausa e riprendere, con progressi salvati automaticamente.
• Monetizzazione: Esplora diverse opzioni di monetizzazione, come acquisti in-app, pubblicità e modelli freemium, per massimizzare le entrate senza sacrificare l’esperienza del giocatore.
• Ottimizzazione delle risorse: I dispositivi mobili hanno limitazioni in termini di potenza di elaborazione e memoria rispetto a console e PC. Ottimizza il tuo gioco per garantire prestazioni fluide su una vasta gamma di dispositivi.
• Presenza di Internet: non sempre i giocatori hanno accesso alla banda veloce, in alcuni casi la perdita di connessione può compromettere l’esperienza di gioco. 

Realtà virtuale e aumentata

La realtà virtuale (VR) e la realtà aumentata (AR) offrono esperienze di gioco uniche e coinvolgenti, immergendo i giocatori in mondi virtuali o integrando elementi digitali nel mondo reale. I giochi per questo tipo di piattaforme esistono da anni anche se recentemente si sono concentrati molti investimenti in queste tecnologie. Progettare giochi per VR e AR richiede di considerare:

• Interazione e controllo: VR e AR utilizzano dispositivi specifici, come visori e controller di movimento, che richiedono un approccio  diverso nella progettazione dell’interfaccia utente e delle meccaniche di gioco. Assicurati di creare interazioni intuitive e immersive che sfruttino appieno le potenzialità di questi dispositivi.
• Comfort del giocatore: Il movimento e l’interazione in VR e AR possono causare disagio o cinetosi (mal di mare) in alcuni giocatori. Progetta il tuo gioco tenendo conto del comfort del giocatore, offrendo diverse opzioni di movimento e limitando le accelerazioni improvvise o i movimenti bruschi.
• Ambienti e oggetti 3D: La VR e l’AR richiedono una maggiore attenzione alla progettazione di ambienti e oggetti tridimensionali. Assicurati che gli oggetti siano facilmente riconoscibili e interagibili, e che gli ambienti siano ben strutturati per consentire la navigazione e l’esplorazione.
• Adattabilità all’ambiente reale: Nel caso della realtà aumentata, è importante che il tuo gioco sia in grado di adattarsi a diversi ambienti e situazioni reali. Progetta meccaniche flessibili e adattive che funzionino in una varietà di contesti.
• Requisiti tecnici: La VR e l’AR possono richiedere hardware e software specifici. Considera le diverse piattaforme di realtà virtuale e aumentata, come Oculus Rift, PlayStation VR, HTC Vive, Microsoft HoloLens e dispositivi mobili AR, e assicurati che il tuo gioco sia compatibile con le specifiche richieste.

Giochi da tavolo

Il game design include anche la progettazione di giochi da tavolo. I giochi da tavolo richiedono artefatti fisici per essere giocati (dadi, carte, tabellone, pedine) e un processo di produzione diverso rispetto ai videogiochi (devi produrre gli artefatti fisici). Un vantaggio rispetto alla controparte digitale è la facilità di prototipazione che può avvenire con asset esistenti o con carta e penna.

Che competenze deve avere un game designer? 

Il game design è un campo in continua evoluzione e richiede una vasta gamma di competenze. Per sviluppare una carriera nel settore, è importante acquisire le competenze necessarie e mantenersi aggiornati sulle ultime tendenze e tecnologie. Le competenze che devi acquisire dipendono poi dal grado di specializzazione del tuo team. Ad esempio una piccola start-up che sviluppa giochi indie avrà tendenzialmente un livello di specializzazione inferiore rispetto ad una grande azienda con centinaia di dipendenti. 

Per avviare una carriera da game designer puoi valutare di apprendere le seguenti competenze:

Hard Skill 

• Game Design: Esistono corsi di laurea o post-laurea in game design, workshop, libri e corsi online sul tema. È utile avere competenze anche nel design thinking.
• Competenze tecnologiche: conoscenza basica dei principali linguaggi di programmazione, motori di gioco, intelligenza artificiale. 
• Altre competenze: Psicologia cognitiva, design di interni, architettura, cinema, storytelling, scrittura creativa sono competenze che si possono rivelare utili nel lavoro del game designer. 

Competenze trasversali:

• Creatività e problem solving: Un buon game designer deve essere in grado di ideare idee innovative e risolvere problemi complessi legati alla progettazione di meccaniche, sistemi e interazioni di gioco.
• Comunicazione e collaborazione: Lavorare in un team di sviluppo richiede eccellenti capacità di comunicazione e collaborazione per coordinarsi con altri professionisti e risolvere problemi insieme.
• Curiosità e velocità di apprendimento: Il game designer deve costantemente imparare dai propri errori attraverso un feedback loop costante. Il mercato in forte fermento e le nuove tecnologie richiedono inoltre di aggiornare costantemente le proprie competenze. 

Un ulteriore competenza molto importante è la conoscenza della lingua inglese. Per collaborare in team internazionali, leggere ricerche e fonti estere, usare software non tradotti è essenziale conoscere l’inglese. 

Libri consigliati 

Se vuoi approfondire ulteriormente l’argomento del game design ti consiglio di leggere uno dei seguenti libri. Sono dei bestseller internazionali sul tema e rappresentano un buon punto di partenza per le persone interessate al game design: 

• The Art of Game Design: A Book of Lenses: Jesse Schell presenta una serie di “lenti” attraverso le quali esaminare e valutare il design di un gioco, offrendo una guida completa e approfondita su come creare giochi coinvolgenti e di successo. Link Amazon
• Rules of Play: Game Design Fundamentals: Rules of Play” esplora i principi di base della progettazione e analisi dei giochi. Il libro copre una vasta gamma di concetti, tra cui regole, sistemi, narrazione, estetica e contesto culturale. Link Amazon

Gamification, Advergame e Serious Game

Con il passare degli anni il game design si è evoluto per abbracciare una vasta gamma di applicazioni che vanno oltre il mercato del intrattenimento. Negli ultimi decenni sono emerse delle discipline che utilizzano il game design negli ambiti più disparati:

Gamification
La gamification è l’arte di applicare gli elementi e i principi del design di giochi a situazioni che non sono tradizionalmente considerate giochi, come l’istruzione, il marketing e la formazione aziendale. Questo approccio utilizza meccaniche di gioco come punti, livelli, missioni, classifiche e premi per aumentare l’impegno, la motivazione e la partecipazione degli utenti.

Serious Game
I serious games sono giochi progettati con uno scopo primario diverso dall’intrattenimento, come l’educazione, la formazione, la sensibilizzazione su questioni sociali o ambientali, o la ricerca scientifica. Pur mantenendo elementi ludici e divertenti, i serious games si concentrano su obiettivi specifici e misurabili, come l’apprendimento di nuove abilità, lo sviluppo di competenze o la promozione di comportamenti desiderati.

Advergame
Gli advergame sono giochi sviluppati principalmente per scopi pubblicitari, con l’obiettivo di promuovere un prodotto, un servizio o un marchio. Gli advergames possono essere sia giochi originali creati intorno a un messaggio di marketing, sia versioni modificate di giochi esistenti con l’aggiunta di elementi promozionali. Attraverso un coinvolgimento attivo, gli advergames mirano a creare una connessione emotiva tra il giocatore e il marchio.

Sebbene gamification, serious games e advergames abbiano obiettivi diversi, condividono alcune caratteristiche comuni:

• Utilizzano elementi di game design per motivare e coinvolgere gli utenti
• Richiedono un’attenta progettazione per bilanciare obiettivi ludici e non ludici
• Possono essere applicati a una vasta gamma di settori e contesti

Tuttavia, esistono anche differenze chiave tra queste tre aree:

• La gamification applica meccaniche di gioco a contesti non ludici, mentre serious games e advergames sono giochi completi con obiettivi specifici
• I serious games si concentrano sull’apprendimento e lo sviluppo di competenze, mentre gli advergames mirano a promuovere un marchio o un prodotto
• Gli advergames possono essere considerati una forma di serious game con un focus specifico sul marketing

La gamification, i serious games e gli advergames rappresentano delle nuove sfide per i game designer. Per lanciare progetti di successo in questi tre ambiti è importante conoscere il game design ma anche il dominio specifico in cui si devono introdurre le meccaniche di gioco. 

Conclusione

Complimenti 🎉 Ti faccio le mie congratulazioni se sei riuscito ad arrivare in fondo fino a questo punto. Questa pagina ha l’obiettivo di diventare la guida di riferimento in Italia sul tema. Se ho dimenticato qualcosa, se ci sono refusi o errori puoi utilizzare segnala pure qui sotto cosa migliorare con un commento. 

Questo articolo è offerto gratuitamente da ProjectFun, il più grande progetto di divulgazione italiano sulla gamification. Se sei interessato a queste tematiche ti consiglio di iscriverti alla newsletter per ricevere le ultime novità. Ogni settimana raccontiamo come utilizzare le meccaniche di gioco per coinvolgere le persone.

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